“Mi hija de cinco años dibujará igual”: cómo empezar a entender el arte y qué debes saber para ello
Miscelánea / / November 24, 2023
Datos interesantes sobre pintores y consejos sobre cómo familiarizarse adecuadamente con las pinturas.
Siempre tratamos las obras de artistas o escultores de forma subjetiva, porque no existen estándares estrictos en creatividad. La crítica de arte Nikita Monich explicó a los oyentes del podcast Science Pulverizer cómo aprender a comprender el arte y si se pueden creer en los estereotipos sobre la vida y la obra de los creadores.
Nikita Monich
Crítico de arte, dirige el canal de YouTube “Acerca de la cultura”, imparte conferencias y realiza excursiones por Madrid.
¿De verdad un artista tiene que tener hambre?
Problema complejo. Nos encontramos con este estereotipo muy a menudo. Pero reemplacemos la palabra "artista" por el nombre de otra profesión. ¿Es cierto que un matemático, un mecánico, un ministro o un presidente deberían vivir en la pobreza? Si cada uno de nosotros piensa en su propio negocio, lo más probable es que lleguemos a la conclusión: "Ciertamente trabajo para no tener hambre". Y los artistas tratan su trabajo de la misma manera.
También vale la pena aclarar qué significa “artista profesional”.
¿Cuál es la diferencia entre un hobby y una profesión? Gastamos dinero en pasatiempos, pero ganamos dinero con la profesión. En consecuencia, un artista profesional no es alguien que tiene un diploma o dos diplomas, sino que trabaja como probador o reparte pizzas. Un artista profesional es aquel que gana dinero a través de su creatividad.
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Pero sucede que la obra de un pintor sólo recibe una valoración digna después de su muerte. Hay muchos creadores que vivieron vidas pobres y murieron incomprendidos. Y no tuvieron tiempo de ver que sus cuadros tenían demanda. Por lo tanto, los historiadores del arte creen: si las obras del pintor se han vuelto muy valoradas, entonces se le puede considerar un profesional que ha hecho una contribución significativa al arte.
Un artista, por supuesto, no tiene por qué pasar hambre, pero a veces se ve obligado a vivir en la pobreza. Sucede que su visión del mundo, los mensajes que intenta transmitir a través de sus obras, no resuenan entre quienes compran los cuadros. Esto les sucede a menudo a los innovadores. O con aquellos que reciben reconocimiento sólo durante un corto período de su vida creativa. Entonces estos maestros realmente tienen hambre.
Pero afortunadamente conocemos muchos artistasque tuvieron éxito. Entendieron muy bien lo que necesitaban sus contemporáneos. Y también podrían añadir una nueva visión a los enfoques tradicionales. Pero lo hicieron en dosis, para que la sociedad pudiera aceptar sus decisiones innovadoras.
Tal reconocimiento lo lograron Rafael, Rubens y más tarde Marc Chagall, Salvador Dalí y Pablo Picasso.
Pero hay otros ejemplos: digamos, Klimt y Schiele. El primero tuvo una brillante carrera y fue el artista de mayor éxito en Viena. El segundo es su alumno. Vivió una vida corta e infeliz y recibió reconocimiento sólo al final.
Por lo tanto, sucede que el lema del artista se convierte en la frase l'art pour l'art - "el arte por el arte". Y el dinero tiene que ganar de lo contrario. Esto es lo que hizo, por ejemplo, el famoso da Vinci.
Leonardo da Vinci, cuando quiso comer, hacer una carrera y, en principio, ser un miembro digno de la sociedad, solicitó el servicio del duque de Milán. Y dijo: querido duque, sé construir fortificaciones maravillosas, generalmente soy urbanista.
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¿Podemos separar las leyendas de los artistas de los hechos?
Sigamos hablando de Leonardo y miremos su Mona Lisa. Hay muchas leyendas en torno a esta famosa pintura. Por ejemplo, se cree que el artista contrató músicos para que la modelo no se aburriera mientras la dibujaba. Y la famosa sonrisa de Gioconda apareció precisamente gracias a esta música. Y en general, el artista solo pintó los labios de la niña durante 12 años.
Es difícil aquí separar los hechos de las especulaciones. No sabemos casi nada sobre cómo funcionó realmente. da Vinci y sus contemporáneos. Sí, podemos, por ejemplo, estudiar los diarios de Leonardo. Pero dar sentido a sus notas no es una tarea fácil.
Miles de páginas contienen listas de compras, reflexiones sobre la naturaleza de la pintura y una idea sobre cómo hacer una hélice. Aquí se envolvió el pescado, aquí está la mano, aquí se dibujó la pierna. En resumen, no sabemos mucho sobre da Vinci a partir de su propio testimonio.
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Conocemos las biografías de Leonardo y sus contemporáneos gracias a los registros del artista y crítico de arte Vasari. Pero no sabemos con qué precisión se reflejan los hechos en estas obras que se han vuelto canónicas.
Por ejemplo, Vasari describe las cejas de la Mona Lisa. Pero no hay cejas en el lienzo. Además, no sólo están ausentes en la versión final. Debajo de la capa exterior, si estudias la imagen mediante rayos X, las cejas tampoco son visibles. Resulta que Vasari o no vio esta imagen él mismo y "Rabinovich le cantó", o la vio, pero escribió sobre ella de memoria y se equivocó.
Pero también hay hechos de los que estamos seguros. Leonardo escribió La Gioconda durante mucho tiempo y la trató con emociones especiales. Comenzó a trabajar después de recibir la orden en 1467. Luego nunca le dio el cuadro al cliente y se lo llevó consigo durante mucho tiempo. Después de 40 años, Leonardo volvió a trabajar. Quizás añadió sólo algunos trazos; ni siquiera con la ayuda de rayos X podemos decir exactamente en qué año se aplicó cada trazo en particular. Pero sabemos que el artista completó el cuadro muchos años después de iniciadas las obras.
"Mona Lisa" terminó en la colección real de pinturas de Francia bajo Francisco I. Lo compró después de la muerte de da Vinci. Pero fue encargado por personas completamente diferentes y no llegó al cliente, porque se incumplieron descaradamente todos los plazos.
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¿A quién dibujan realmente los artistas en sus retratos?
Parecería que la respuesta es obvia: aquellos que les sirven de modelo. Pero si hablamos de la Mona Lisa, se pueden escuchar muchas especulaciones sobre a quién realmente quería retratar Leonardo. Algunos creen eso mismo. O incluso Cristo.
De hecho, no es muy importante quién sirvió de modelo para la imagen. Muchas veces un retrato es sólo una imagen. Digamos que la persona del lienzo es muy parecida a la que posó. Sin embargo, cada cuadro es también un retrato del propio artista. Pero no porque siempre pinte su apariencia.
Lo importante aquí no es la forma, sino el contenido. Es decir, el mensaje, el significado que el artista le pone a cada una de sus obras. Y este mensaje depende enteramente del creador.
¿Qué papel jugaron las mujeres en el arte clásico?
A menudo se convirtieron en musas de los creadores. Pero rara vez pudieron recibir una educación clásica y convertirse en artistas.
Esta es una de las razones de la limitación. Cualquier pintura o escultura es un objeto sensorial. La creatividad siempre ha estado asociada con la sexualidad. Esto es en gran medida sublimación, es decir, la dirección de la energía sensorial en otra dirección creativa. Y sabemos que artistasQuienes crearon arte clásico a menudo pintaban figuras femeninas desnudas. Para ello, modelos posaron para ellos.
Sin embargo, en siglos pasados era imposible siquiera pensar en una niña dibujando a un hombre desnudo. Ni siquiera podía estar en la misma habitación que él.
Pero esto no significa que las mujeres no hayan influido de ninguna manera en el arte. Al contrario, sin ellos difícilmente habría alcanzado un nivel alto.
Recientemente el Museo del Prado realizó proyecto El Prado en femenino. Sus creadores realizaron un vídeo en el que todos los cuadros que la mujer encargó, compró o hizo parte de la colección de la mujer desaparecieron de las paredes del museo. Y como resultado, casi todas las obras maestras principales desaparecieron de las salas del museo en el video.
Porque mientras los hombres se cabrean entre los arbustos, las mujeres realizan una tarea mucho más importante: montar su espacio vital, criar hijos y, en general, son responsables de la cara del régimen, la corte real, etc. Más.
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¿Puede una persona corriente, y no un especialista, entender el arte contemporáneo?
Cualquier pintura, escultura, obra de artes decorativas y aplicadas, melodía es un mensaje. Y se transmite en algún idioma. Esto significa que para descifrar este mensaje es necesario conocer el idioma en el que se transmite.
Cuando una persona ve algunas personas u objetos en una imagen, a menudo le parece que todo está claro. El espectador puede pensar: esta es una hermosa mujer dibujada de manera realista, ¿qué es lo que no está claro en eso? Pero no ve las alegorías, no sabe qué historia está encriptada en la imagen, no reconoce las citas literarias asociadas con ella. Si ve santos, es posible que no sepa por qué son famosos, cuáles son sus atributos junto a ellos o por qué se necesitaban estos atributos. Y al final no entiende el mensaje que quería transmitir el artista.
Pero la persona concluye: “Lo entiendo, porque aquí hay gente. Pero aquí sólo hay manchas, mi hija de cinco años dibujará de la misma manera, no lo entiendo”.
Cuando alguien dice que su hijo de cinco años puede hacer esto, no siempre es cierto. El arte no es un objeto. El arte es una relación que nace entre el espectador y el objeto o no. Y si nace, la persona dice: “¡Oh, arte!” Y si no nace, dice: "Eso no es arte".
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Pero para que surja una relación, es necesario comprender exactamente qué le dijeron. Si la frase suena en el idioma de un extraño idioma - por ejemplo, en vietnamita o húngaro - no percibirá nada. Y no recibirá el mensaje, aunque sea sumamente importante y pueda cambiar su vida.
Concluimos: entender el arte significa conocer bien el lenguaje que habla el artista. Si no entiendes este idioma, será imposible escuchar al artista.
Cómo aprender a entender el arte
Vale la pena comprender qué es exactamente lo que te gusta y con qué resuena. Para hacer esto necesitas probar cosas diferentes. Es como con los productos: puedes comparar varios tipos de jugo y luego decidir cuál te gusta más la cerveza. Pero primero debes probar cada bebida.
Si has empezado a conocer arte, recuerda dos reglas:
- El interés por la imagen comienza con la segunda visualización. Si quieres volver a verlo, significa que hay algo en él.
- No tengas miedo de los spoilers. Antes de ir al museo, puedes leer sobre él. Y mire las entre 20 y 30 obras maestras que se almacenan allí. Son fáciles de encontrar, por ejemplo, en la plataforma. Google Arte y Cultura.
Al principio, basta con mirar las imágenes, hojear las páginas; en la primera etapa esto es suficiente. Al mismo tiempo, abre en nuevas pestañas aquellos lienzos que te llamaron la atención. Luego mira estos trabajos nuevamente, lee sobre ellos.
Más tarde, cuando vayas al museo, ve directamente a los cuadros que te interesen. Es decir, a lienzos ya familiares. Esto es necesario para no desperdiciar su recurso más valioso: la atención.
Un punto muy importante: no intentes verlo todo. "Tengo cuatro horas, hay 400 salas del Louvre por delante, ahora lo resolveremos" - ¡Dios no lo quiera! Hace más de 100 años se acuñó el término “fatiga del museo”. Simplemente te dejará boquiabierto; te quedarás sin espacio libre en tu disco duro.
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Por lo tanto, fíjate sólo en lo que has planeado de antemano. Y luego intenta resaltar tres obras de todo lo que viste:
- Lo que más te gustó.
- Lo que más no te gustó.
- Lo que te pareció más extraño.
Luego toma tu teléfono inteligente y enciéndelo. alarmapara que suene en cinco minutos. Es muy importante no mirar la pantalla todo este tiempo, así que que sea un despertador, no un cronómetro. Y habla con la imagen seleccionada durante cinco minutos. Asegúrate de hablar en voz alta, sólo en voz baja: todavía estás en un museo. Habla a un ritmo medio, sin repeticiones. Continúe hasta que suene la alarma.
Cuando suene, descubrirás una gran cantidad de cosas nuevas sobre esta imagen. Es como si pudieras atravesar una especie de membrana translúcida de un estereotipo. Al hacer esto con tres pinturas como una especie de puntos de referencia, sentarás las bases.
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Pues bien, si repites esta técnica cada vez que visitas una nueva exposición, con el tiempo acumularás experiencia perceptiva. Y podrás interpretar mejor el arte.
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